El blues, la verdad del sentimiento

"Uno de los elementos fundamentales de casi todos los tipos de jazz y de gran parte de la música popular de occidente deriva del blues, pero el blues de 12 compases y 3 acordes que aprende hoy en dia todo guitarrista adolecente aparecio relativamente tarde, con la mezcla de música rural afroamericana y las armonías de la música eclesiastica europea. Antes de 1900, a un músico de blues que tocara en solitario la guitarra o el banjo le traia sin cuidado cuantos compases debe durar un cambio de acorde. un músico asi consideraba la armonia menos importante que la canción y su sonido único, ese ascenso y descenso de la tonalidad, emotiva y esquiva, el grito en falsete o "holler" (canto africano de los campos), y la letra pragmatica, casi taquigráfica, cargada de ironía tragedias cotidianas y frases burlonas."

"A partir de 1900 se hicieron muy populares los "blues" más melodicos, con partitura y todo ("St Louis Blues" de W.C Handy, por ejemplo), y vivieron un breve exito durante los años veinte y treinta, cuando la floreciente industria discográfica encontró un buen mercado para sus selllos "raciales" dirigidos especialmente a los habitantes de los barrios negros de Estados Unidos. La depresión en los años 50's, dando origen al Rock N' Roll."

Jazz de John Fordham, Ed. Diana, México, 1994

Kurt Elling [articulo destacado]

"El baritono Kurt Elling (Chicago 1967), artista del sello blue note, se mueve entre el contuinismo y la experimentación. Estudio música clásica y posee una técnica excepcional, sin la cual le habría sido imposible alcanzar sus logros artísticos."

"En su estilo conviven la dulzura y el lirismo con el desgarro y la exaltación gracias a los matices de su voz (falsetti, apianamientos y un fiato prodigioso) y a una diversidad de enfoques perfectamente integrados; es alumno de Mark Murphy y admirador de Betty Carter, pero tambien le atraen Tony Bennett y Frank Sinatra.

"Ha dado un paso adelante en el camino del "vocalese" al utilizar textos de Rilke o Marcel Proust junto a los suyos propios; ademas practica una improvisación vocal "total", que incluye la invención de textos y de música a un tiempo. Uno de sus atractivos es la falta de prejuicios; no le importa recurrir al overdubbing, y en cuanto al programa puede pasar de Glenn Miller a su admirado Wayne Shorter y de este a Courtney Pine."

"En su carrera es imprescindible la complicidad del pianista Laurence Hobgood, con el que firma muchos arreglos y composiciones de gran originalidad. Elling es uno de los pocos cantantes grandes de las últimas decadas."

"Gritos y Susurros, el jazz vocal en la actualidad" por Jorge García,

Cuadernos del Jazz Nº 96 Julio/Agosto 2006, pg. 38

El Ragtime

El Ragtime se afianzó firmemente en europa y estados Unidos, a finales del siglo XIX, Ragtime, literalmente significa "ragged time" (ritmo sincopado - otra acepción es tiempo rasgado) y se trata de una música para piano de tecnica compleja que adapta temas europeos clásicos y ligeros, basados en sonido uniforme, como la marcha del compás binario con la mano izquierda, cargado ritmicamente con la derecha que resalta los acentos entre las partes fuertes de la mano izquierda.
El Ragtime no tiene un carácter particularmente negro. Sus formas, armonía y ritmos son más que nada euroamericanos y carece de la expresividad del jazz y la profunda melancolia del blues.
La principal área de desarrollo la tuvo el Ragtime en St. Louis, mientras que el jazz se gesto en Nueva Orleans y Chicago, desplazándose después a Nueva York, y de allí al mundo entero.
Finalmente, es correcto afirmar que hay elementos de Ragtime en el jazz, sobre todo en el estilo dixieland; pero ya no es tan exacto considerar al Ragtime ascendiente directo y primera manifestación del jazz.
Fue más bien una actividad complementaria que acabo siendo absorbida por el jazz, según ambas músicas iban desarrollándose. Surgió, igual que el jazz, como música de baile, adaptándose su naturaleza a las exigencias de los diversos pasos.

Notas acerca de Scott Joplin y el Ragtime

"Desde 1897 hasta 1917. La música Ragtime floreció en Estados Unidos interpretada principalmente por pianistas."
"La estructura de Ragtime es una mezcla de ritmo sincopado afroamericano y música clasica europea."
"El Ragtime clásico fue popularizado por el compositor y pianista Scott Joplin, que a principios del siglo XX, era conocido como el rey del Ragtime"

El Jazz, marginado e idealizado

Durante décadas, ha estado rodeado de equívocos que parecen tan fascinantes a primera vista que no dejan ver la verdad. Uno de los más persistentes es el que supone que los interpretes de jazz se inventan la música sobre la marcha, improvisando sin estructuras, ni teorías. si bien es verdad que la imaginación improvisadora de un Charlie Parker o un Miles Davis no la posee cualquiera, el jazz tiene sus principios formales, y aunque estos evolucionan constantemente, han servido de guia a todos los interpretes, desde los más dotados, como John Coltrane, hasta los mas modestos músicos de club que actúan en miles de salas mal iluminadas de todo el planeta.
El jazz y la música clásica occidental tienen muchos puntos comunes en cuestión de armonia y melodía; en cuestión de ritmo, son completamente diferentes.
En nuestras variadas audiciones diarias se recogen elementos formales que se combinan para desencadenar la química incandescente de la improvisación que ha acompañado a la música desde su nacimiento.

JAZZ 97.3

(en adaptación libre)

Jazz Modal

“En el be-bop, con sus rígidos ciclos de acordes, hasta el solista más abstraído tenia que mantenerse en contacto con bases muy concretas, y los músicos podían sonar como si quisieran comprimir el trabajo de toda una vida en una sola noche. Pero a principios de los 50’s, muchos músicos de jazz buscaban ya otras bases para la improvisación.
El compositor y ex-baterista George Russell escribió su “concepto cromático lidio de la organización tonal”, explicando como basar los solos, no en las notas de los acordes, sino en escalas de diferentes intervalos y puntos de partida llamadas modos. Si los solos de be-bop se movían como las bolas de una máquina de jugar, rebotando en cada nuevo acorde, los solos modales seguían curvas más suaves y la estructura que los sostenía cambiaba menos a menudo. El resultado fue una música más contemplativa. Lo modal ofrecia una alternativa más accesible a la música Free, relajando la estructura de jazz, aunque muchos artistas prefirieron utilizar combinaciones de lo viejo y lo nuevo”

Jazz de John Fordham, Ed. Diana, México, 1994

Cool Jazz

A principios de los 50's, la revolución del Be-Bop, con su estilo inmediato e intenso y su obsesión por evitar lo conocido estaba ya asimilada. Seguia teniendo fuerza, pera ya habia surgido una desviación más suave y menos negra: el free jazz. En los años 40's, algunos músicos, en su mayoría blancos, habían incorporado al jazz elementos de la música clásica. Ciertas mutaciones de estas ideas inspiraron a Miles Davis, cuyo estilo contenido de trompeta era una perfecta voz solista, y en 1948 con una banda de nueve miembros, grabó Birth of the cool.
El cool era relajado pero no carecía de emoción y algunos de sus practicantes, como los blancos de la escuela de la costa oeste -los trompetistas Chet Baker y Shorty Rogers y el saxofonista Gerry Mulligan, entre otros - seguían haciendo gala de una energía típica del Bop. En la costa oeste surgieron compañias dispuestas a grabar la nueva música, como el sello Pacific Jazz, de Richard Bock, en el que grabó la famosa banda The Mulligan y Baker.

JAZZ, John Fordham, Ed. Diana, México, 1974